Texto: EVA CLÉRIGUES
ARTÍCULO REVISTA SOUL ABRIL 2021
Lina Bo Bardi
La XVII Bienal de Arquitectura de Venecia le garantiza un lugar en la historia a la que fuera una de las arquitectas e intelectuales más destacadas del siglo XX
Por primera vez en mucho tiempo, hay una revisión de las que han sido las figuras trascendentales de la escena internacional del diseño y la arquitectura del siglo XX. Mujeres como Charlotte Perriand, Aino Marsio o Eileen Gray se han instalado en el centro de la conciencia colectiva gracias a exposiciones y un sinfín de reconocimientos alrededor del globo. La última en ingresar en esta lista póstuma de los honores ha sido la italo-brasileña Lina Bo Bardi, reconocida con el León de Oro in memoriam por su trayectoria de la XVII Bienal de Arquitectura de Venecia, que se presenta este mes de abril en formato digital y abrirá al público el próximo 22 de mayo.
“Su carrera como diseñadora, editora, comisaria y activista nos recuerda el papel de los arquitectos como personas convocantes y, lo que es más importante, como constructores de visiones colectivas”, explicaba Hashim Sarkis, actual comisario de la Bienal. Bo Bardi representa la visión del diseño más transversal y la arquitectura entregada al servicio social, libre de las ataduras de cualquier escuela de pensamiento. Nacida en Italia en 1914 y formada en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Roma, Achillina Bo comenzó su carrera en Milán, donde trabajó en colaboración con Carlo Pagani y Gio Ponti antes de fundar su propio estudio. Después de la Segunda Guerra Mundial, la diseñadora y su marido, Pietro Maria Bardi, se mudaron a Brasil y fue en São Paulo donde comenzó a incorporar el diseño de muebles a su trabajo. En 1948 fundó “Estúdio de Arte e Arquitetura Palma”, con su amigo y arquitecto Giancarlo Palanti, que supuso uno de los muchos momentos decisivos de su carrera.
Las múltiples facetas de su obra la llevaron a levantar puentes entre el arte y el diseño, el dibujo, la arquitectura y la escenografía. Todas estas disciplinas se unieron en su deseo de ser parte activa en el proceso de modernización de Brasil. Lina creo en 1947 la silla plegable MASP para el icónico edificio homónimo. Confeccionada en madera de jacaranda, está considerada una de las primeras sillas modernistas de Brasil, y la reedita ahora Etel junto a otros clásicos como la mecedora Balanço o el carro de té LBB. Diseño moderno y clásico a la vez, popular, vernáculo y culto, artesanal y respetuoso con la tradición, pero también innovador. Sus muebles celebran la reducción y la crudeza de la naturaleza, el uso de maderas naturales brasileñas y las formas sencillas y prácticas.
Lina Bo Bardi construyó para la vida, “son las personas y no los arquitectos los verdaderos protagonistas de la arquitectura”, dijo. Adoptó un enfoque funcionalista en sus obras fomentando la interacción social, y es responsable de tres de los edificios más extraordinarios de São Paulo: el principal museo de arte de la ciudad, MASP; el que fuera su propio hogar, la Casa de Vidrio; y el gran SESC Pompéia, un original centro comunitario que es su obra culminante.
ARTÍCULO REVISTA SOUL MARZO 2021
Un hogar, una oficina. Muebles que van del trabajo a casa y viceversa
Mientras los lugares de trabajo son cada vez más amables, la situación por la COVID-19 ha llevado a buscar en el hogar una nueva oficina. Como resultado, cada vez son más los muebles que desdibujan la frontera entre estos dos mundos. Lámparas atemporales, asientos más ergonómicos o pizarras que nos separan de nuestro espacio vital, son solo algunos ejemplos que pueden ayudar a crear espacios en los que es más emocionante e inspirador trabajar.
Serviría por sí sola la propuesta con la que el estudio Nendo causó sensación hace unos años en Orgatec, la mayor feria de muebles de oficina que se celebra en Colonia, Alemania. El equipo de Oki Sato proponía reinterpretar la pizarra convencional, y común en muchas oficinas, y encajarla sin esfuerzo en cualquier escritorio. La fórmula Rolling board busca estimular la creatividad y animar a las personas a anotar diariamente sus ideas. Su reverso, además, se presenta en tela para hacer las veces de panel fonoabsorbente y generar un espacio dentro de otro espacio.
En el mismo sentido, son muchas las ideas que sugieren un cambio de énfasis en los entornos de trabajo y colocan la comodidad en el centro de las cosas. El desafío ha sido superado por el dúo de diseñadores Arnau Reyna. Su nueva colección Peach para Mobboli es confortable pero no desahogada, sutil pero no modesta, un punto estético preciso que hace que funcione bien casi en cualquier lugar: “Ahora más que nunca hay hogares que son oficinas y oficinas que son hogares, Peach es una butaca versátil que elimina barreras para sentirse en el trabajo como en casa y viceversa”, explican Ramón Arnau y Mariola Reyna. Con sus formas redondeadas y ranuras marcadas, la serie recuerda a la figura suculenta de un jugoso melocotón. Un diseño con una fuerte presencia plástica y cuyas líneas brindan una experiencia de asiento agradable e íntima.
Porque, aunque prime la funcionalidad, los espacios han de ser también atractivos, y para asegurarlo no hay mejor opción que escoger una lámpara que 34 años después de su creación sigue en buena forma. Con la icónica Tolomeo de Artemide se consigue un espacio mejor iluminado y visualmente enriquecido. Un diseño atemporal de Michele De Lucchi y Giancarlo Fassina basado en las tradicionales lámparas de brazo equilibrado como la famosa Naska Loris. Su éxito reside en combinar tecnologías y materiales innovadores de forma reconocible y doméstica, adaptándose a los usos y ambientes más diversos. Un diseño único, caracterizado por juntas y tirantes que mantienen la estructura siempre en equilibrio, lo que le valió el Compasso d’Oro en 1989. “En realidad, el mecanismo nació de la observación de los pescadores que pescan con el sedal”, reveló De Lucchi a la revista Lighting Fields. “Me pareció inteligente que con un pequeño brazo de palanca y un cable se pudiera suspender un poste al que se sujetara algo”. Más que una lámpara, una filosofía de producto.
ARTÍCULO REVISTA SOUL FEBRERO 2021
En plena erupción
El estudio Formafantasma ha transformado materia volcánica en una colección de azulejos excepcional
Durante décadas, hemos visto como muchos diseñadores han utilizado materiales sorprendentes para crear interiores, pero es ahora, impulsados por ideas más sensatas y sostenibles, que el estudio Formafantasma (nombrado ‘Designer of the Year’ por la prestigiosa revista Wallpaper*) propone, además, cambiar las normas del juego. Con la colaboración de la compañía inglesa Dzek, y tras más de tres años de investigación, han creado ExCinere, una refinada colección de azulejos elaborada a partir de ceniza volcánica con la que pretenden explorar más a fondo la aplicación de este material fascinante, natural y abundante.
Desde que el dúo de diseñadores italianos (Andrea Trimarchi y Simone Farresin) saltara a la escena internacional con una investigación en las regiones del monte Etna y Estrómboli sobre el potencial de la lava volcánica como material de diseño (Natura Fossilium, 2014), ambos se han sentido movidos por la idea de que la naturaleza debería ejercer por sí misma de minera, expulsando materiales valiosos sin ningún tipo de intervención humana. Con este anhelo renovador de fondo, y un propósito más artístico que comercial, Dzek ha desarrollado junto a ellos esta serie de baldosas como una oportunidad para alinearse con los volcanes, “uno de los símbolos más viscerales e indomables de la naturaleza, plagado de alegorías”. Y aunque la ceniza volcánica y la roca basáltica no les revelaron sus secretos fácilmente, aseguran que su alto contenido de óxido metálico las hace complejas, impredecibles y únicas. “Una batalla de intenciones entre el hombre y el volcán”. Lo suyo han sido tres años de explosiones, implosiones, agrietamientos y derrumbes antes de lograr el delicado equilibrio de esta serie con cuerpo de porcelana y esmaltes de ceniza.
Saben que el uso de materia volcánica en la arquitectura tiene una larga y rica historia. Desde los Jardines de Pantelaria de la Edad de Bronce a las evocadoras construcciones lanzaroteñas de César Manrique que se integran de una manera indulgente en el paisaje, “ExCinere es una nueva versión de esta tradición de la lava como material de construcción y un manifiesto de la atracción perdurable entre los humanos y la fuerza indomable de la naturaleza”. Disponible en dos tamaños y cuatro esmaltes volcánicos, la variedad de acabados se crea mezclando cantidades, tamaños de partículas y diferentes densidades de materia, lo que tiene como resultado una estética que evoca el paisaje dinámico del que proviene. “Creemos que la gran arquitectura está hecha de elementos que cuentan una historia sobre su tiempo y lugar”. Aptas para uso tanto en interiores como en exteriores, un buen ejemplo de su aplicación es la Porto Villa, diseñada por Stefano Giacomello, donde recorrer sus estancias es sumergirse en las infinitas posibilidades de diseño e instalación de este innovador sistema de azulejos. La rebelión de los materiales está por fin en erupción.
ARTÍCULO REVISTA SOUL ENERO 2021
La diversión está dentro
¿Por qué las ideas de Verner Panton pueden hacernos felices?
El bienestar ha acaparado gran parte del esfuerzo intelectual de muchos diseñadores en la historia. Pero, ¿cómo puede el diseño hacernos felices?
Seguimos la fórmula de Verner Panton (1926-1998), uno de los gigantes del diseño danés, para llenar de entusiasmo y originalidad el mundo visual que nos rodea. O, en sus propias palabras, “El propósito principal de mi trabajo es provocar que la gente use su imaginación […] Experimentando con iluminación, colores, textiles y mobiliario, y utilizando las últimas tecnologías, trato de mostrar nuevas maneras de animar a las personas a hacer que su entorno sea más emocionante”.
Las nuevas formas. “La forma sigue a la fantasía” ha sido siempre el lema de Panton, que aspiraba a un diseño libre, alejado de la norma. Sabía que apostar por asientos con curvas inesperadas podía hacer de cualquier hogar un lugar asombroso y altamente interesante. A través de la colección de asientos Welle, producida ahora por Verpan, nos invita a sentarnos y a ver el mundo de otra manera.
Lo modular importa. Entender los interiores como espacios visualmente continuos llevó a Panton a creer firmemente en el diseño modular. Una realidad que puede ayudar a resolver muchos problemas. Así, su colección Cloverleaf (Verpan) cuenta con cualidades funcionales y posibilidades casi infinitas, además de dibujar hipnóticas líneas serpenteantes que se despliegan a medida que se alarga. Una pieza orgánica y escultural inspirada en una hoja de trébol.
Colores conscientes. “Te sientas mejor en un color que te gusta”, decía Verner. Para él, los colores no deberían ser una apuesta, sino “una decisión consciente”, tener un significado y una función. El danés diseñó algunos de los muebles más llamativos y emocionantes de la época, entre los que se encontraba la silla Panton de Vitra, convertida en leyenda. Su fe en el color nos demuestra que un interior optimista, muchas veces, conviene.
Diviértete un poco. Panton capturó como nadie el espíritu de una época de experimentación en la que todo lo que se quería o necesitaba hacer era divertirse. La Flying Chair, diseñada 1964 y presentada por primera vez en la feria del mueble de Colonia, permite crear varios entornos que evocan situaciones y estados de ánimo juveniles. La silla de media carcasa, totalmente tapizada, se suspende del techo por ambos lados mediante cuerdas de nailon, lo que permite ajustar la altura y la posición del asiento. Siempre está bien que los muebles dejen de parecer muebles.
ARTÍCULO REVISTA SOUL NOVIEMBRE 2020
Fiesta de Otoño
Los colores de la temporada son un baile de luz y oscuridad para el diseño
Siendo el otoño una de las estaciones más dramáticas, en la que el frío convierte el follaje en un mar de colores rojos y anaranjados, es precisamente la calidez de sus tonos la que despliega una de las mejores caras del paisaje. Tal vez por la lírica del contexto, o por las emociones que despierta, la reconocida firma de mobiliario danesa Fritz Hansen ha querido llevar esas bucólicas vistas a sus diseños y ha presentado dieciséis nuevos colores para la icónica colección de sillas Serie 7 de Arne Jacobsen bajo el título “A Sense of Color”. Escogidos en colaboración con la editora, comisaria de diseño y galerista Carla Sozzani, la delicadeza de sus formas se siente aún más elaborada cuando se le agregan colores sólidos y llenos de significado. “Uno de los principales objetivos era crear una colección unida por un tono cálido, un hilo rojo por así decirlo”, explica el Jefe de Diseño de la compañía, Christian Andresen. Sozzani, en cambio, lo entiende como una paleta que explora el día y la noche, “para capturar la esencia compartida del color”. Sabe que cualquier interacción con la luz y su confrontación con la oscuridad “provoca una emoción profunda”, mientras que el imán que une a estos dos polos opuestos es el color. La silla más vendida en la historia de Fritz Hansen, y quizá también en la historia del mueble, se siente renovada gracias a estas nuevas propuestas cromáticas que se complementan con siete opciones de base, lo que significa un sinfín de posibilidades para los asientos de Jacobsen. Esta nueva combinación de forma, función y color busca elevar los espacios interiores a una sofisticación tórrida, e incluso los tonos neutros de la serie están pensados para conectar y equilibrar entre sí los colores más expresivos.
Pero si alguien sabe cómo utilizar con maestría el círculo cromático, esa es Patricia Urquiola. El espíritu curioso y creativo de la diseñadora española, asentada en Milán, le ha llevado a crear algunas de las piezas más alegres y significativas del panorama actual. Ruff, su última propuesta de butaca para Moroso experimenta con los tonos y formas de la obra de Eduardo Chillida. Un homenaje explícito al escultor vasco cuya “vocación arquitectónica” hacía de cada trabajo un diálogo constante con el espacio circundante. Diseñada para cualquier espacio vital, y marcada por un reposabrazos que la envuelve firmemente, el resultado es una combinación melódica entre líneas curvas y rectas; una geometría binaria compuesta tan solo por un asiento y un respaldo con gran efecto. Su gran personalidad la convierte en una butaca que llena cualquier rincón en el que se coloca, tal vez por eso, siempre es bienvenida la paz y delicadeza para acompañarla. Los acabados de las mesas auxiliares 194 9 de Piero Lissoni para Cassina saben convivir bien con cualquier pieza. De líneas sencillas, cilíndricas y modulares, estas mesitas, disponibles en dos alturas, están marcadas por la calidad de los materiales utilizados que incluyen madera maciza de fresno y cuatro tipos de mármol. Mientras tanto, las superficies de vidrio también se presentan en numerosas opciones de colores cálidos. Toda una fiesta de otoño.
ARTÍCULO REVISTA SOUL OCTUBRE 2020
Influencias japonesas
El diseño que mejor rinde culto a la naturaleza
Cuando se trata de explorar objetos instalados entre lo tradicional y lo contemporáneo, pocas culturas lo hacen tan bien como la japonesa. La lógica del país nipón, muchas veces rígida pero siempre profunda, ha descubierto a muchos un camino históricamente arraigado a la naturaleza, pero en constante cambio. La influencia de las formas orgánicas en artistas como Isamu Noguchi fue, en cierta manera, inevitable. Hijo de padre japonés y madre estadounidense, el que fuera uno de los escultores más importantes siglo XX marcó una tendencia en el diseño de muebles que parecían formar parte del propio ecosistema. Sus lámparas de papel Akari, editadas por Vitra, se han convertido en silencio en las esculturas más omnipresentes de la Tierra. Inspiradas en las linternas que iluminaban la pesca nocturna en el río Nagara, sus orígenes se remontan a 1951 cuando, en un viaje al Japón de la posguerra, el alcalde de la pequeña ciudad de Gifu le pidió al artista ayuda para revitalizar la industria local de faroles creando unas luminarias modernas, fabricadas con papel washi. En ellas, “la crudeza de la luz eléctrica se transforma, gracias a la magia del papel, en la luz de nuestros orígenes: el sol”, decía Noguchi, quien siempre se había aproximado al diseño desde la óptica del arte. “Todo es escultura”, manifestaba. También lo es su mesa Rudder, producida por Herman Miller. Con una composición asimétrica y equilibrada, combina la naturaleza con una faceta industrial, y la belleza con la función. La forma orgánica de su superficie reposa sobre tres patas; dos, acabadas en metal, sugieren que el sobre se sostiene gracias al tercer pie de madera. El resultado es un buen ejercicio de ligereza visual y de tensión entre tradición y vanguardia.
Incluso la cara del Japón más moderno no deja de prestar atención a lo más humilde y esencial. La diseñadora japonesa Nao Tamura, con sede en Nueva York, conserva la habilidad de encontrar esa conexión emocional entre innovación y naturaleza. Su taburete July para Nikari está inspirado en la belleza intrínseca de la imperfección y evoca un paquete de troncos de madera. Se trata de un singular asiento creado a partir de tres “rebanadas” de roble de diferente tamaño, con ángulos de superficie desiguales. Cada taburete disfruta de su propio sentido de la individualidad, mientras que juntos crean una exhibición de piezas escultural para espacios de reunión. Tamura sabe mirar al pasado, pero la estética visual de sus diseños nos da una idea del futuro. Su tabla de madera Sasso, diseñada para Hem, se basa en la idea de que hace miles de años los humanos ya usaban una herramienta sobre la que realizar múltiples funciones. Totalmente encantadora en su linealidad básica, es su versatilidad la mejor respuesta a las formas de vida contemporáneas, y una evidencia más de por qué las mejores cosas siguen siendo simples.
ARTÍCULO REVISTA SOUL SEPTIEMBRE 2020
Diario de a bordo
Estas propuestas de diseño interior están listas para navegar
Aunque la tecnología del mundo de la navegación ha evolucionado a pasos agigantados, los interiores de los barcos han estado atrapados durante décadas en una aureola de diseño clásico. No sería hasta que el virtuoso trazo de Philippe Starck fuera un paso más allá y diera forma, por dentro y por fuera, al yate ‘A’, del multimillonario ruso Andrey Melnichenko, que la industria marítima despertara para replantearse el concepto de “espacio a bordo”. Bajo la óptica de diseñadores que nada o poco tienen que ver con el diseño técnico naval, las nuevas propuestas se acercan, por fin, a la sensación de hogar.
La arquitecta de interiores Kirsten Schwalgien conoce bien el alto nivel de exigencia que necesita el diseño de barcos para conseguir que todo encaje a la perfección. “Hay muchos aspectos a considerar: la privacidad es, por ejemplo, un punto muy importante, pero también la comodidad”, explica. “Un diseño es inútil si no es cómodo”. Esta diseñadora alemana entró en el mundo de los “superyates” por la puerta grande, con apenas 26 años fue nombrada jefa de diseño exterior de Luna, un yate a motor de 115 metros que actualmente es el tercer Explorer más grande del mundo. Ahora, compagina el diseño de barcos con el de interiores residenciales y comerciales; un trabajo marcado por la calidad de los materiales y alejado de la fugacidad de las modas. “Nuestro enfoque de sostenibilidad es diseñar un interior que perdure”, es además un juego constante de equilibrio, “la belleza debe estimular pero no estresar los sentidos”. Sabe que el diseño naval ya no trata de vender metros cuadrados en el mar, sino de conseguir la misma calidez que se vive en los hogares contemporáneos. Si bien Kirsten maneja con destreza los aspectos técnicos, aplica su estrategia en el diseño de viviendas a sus proyectos marinos: “Al final veo mi trabajo como una herramienta para conectar personas”, dice. “Un espacio necesita alimentar la interacción social”.
Siguiendo el mismo camino, el arquitecto italiano Piero Lissoni, que se describe a sí mismo como un “intruso” en la industria marítima, ha sido el encargado de rediseñar el interior de los yates crossover SX88 y SX76 de Sanlorenzo. Como si se tratara de sofisticadas residencias oceánicas, incluso apartamentos tipo loft, estos dos barcos se caracterizan por tener los espacios muy abiertos, con una continuidad perfecta entre el interior y el exterior, y la particularidad de unos grandes ventanales con vistas al mar. Al llevar su visión minimalista a bordo, los grandes protagonistas del proyecto son los detalles: “La escalera es una verdadera escultura que se desarrolla como una línea sinuosa y continua que fluye hacia el piso inferior”, describen desde Lissoni&Partners. La decoración es un buen ejemplo de estilo limpio y elegante, marcada por los colores suaves y neutros, y por un planteamiento libre del mobiliario que incluye piezas icónicas de los grandes maestros. Un diseño hogareño que permite mejorar, aún más, la fascinante experiencia de navegar.
ARTÍCULO REVISTA SOUL AGOSTO 2020
¿No es surrealista?
Un recorrido visual y psíquico por los diseños de mobiliario de Salvador Dalí
Cualquiera que haya visto un mueble de Salvador Dalí no lo olvidará jamás. Durante los años 30, después de haberse proclamado un genio, el artista trabajó varias disciplinas por encima del arte pictórico sin desviarse lo más mínimo de la hoja de ruta surrealista. Junto con Jean-Michel Frank, mueblista y decorador de reconocido prestigio en el París de esos años, llenó cuadernos con dibujos e ideas de mobiliario, como la lámpara Bracelli, el sofá Vis-à-vis de Gala o el tirador Rinoceróntico. Su colaboración tuvo un fin solemne, pero la complejidad de la obra decía que muchas de estas criaturas ingeniosas nunca se llegarían a realizar. En los años noventa un equipo de expertos, dirigido por el arquitecto y diseñador Oscar Tusquets, se propuso hacer realidad estos muebles, junto con la silla y la mesa baja Leda, sacadas del cuadro ‘Femme à la tête rose’ (1935). El escultor Joaquim Camps se encargó de materializarlos y BD Barcelona se hizo cargo de su producción y comercialización.
“Son piezas de arte, pero nunca hemos querido reproducir las esculturas de Dalí, siempre hemos querido conservar la parte funcional”, explicaba Tusquets en un vídeo de presentación para BD. “Siempre son muebles o lámparas que además sirven”. Quizá de manera más radical, Dalí expuso que una silla puede servir para sentarse, “pero con una sola condición: que nos sentemos mal”. Sobre el modelo Leda es posible repantigarse unos minutos, pero el hecho de que sólo tenga tres patas, además del elevado peso que le procura el latón macizo, lo aproximan más a una obra de arte que a un mueble funcional. La colección la completa una mesa de centro y ambas están disponibles en una edición especial ‘Black Label’ acabada en color negro que el arquitecto intuye que a Gala, la enigmática mujer del artista, “le gustaría mucho más que la policromada”. Un diseño estrictamente artesanal y siempre con una personalidad compleja: las piezas de fundición y el sobre de la mesa tienen una coloración del latón cuya aplicación se realiza calentando ligeramente la pieza mediante un soplete, y posteriormente se aplica la pátina con una brocha. La uniformidad superficial del acabado siempre es irregular y favorablemente única.
Otra de sus fantasías es la lámpara de pie Bracielli, una pieza que responde a la manera de diseñar y trabajar de Jean-Michel Frank que Dalí adoptó para su casa de Port Lligat, en Cadaqués. Cariñosamente extravagante, el pedestal piramidal zigzagueante está recubierto de pan de oro, siendo este metal noble una obsesión del artista. La muleta sería otro de sus símbolos más utilizados, como se puede ver en sus obras ‘El sueño’ (1937) y ‘Autorretrato blando con beicon frito’ (1941), entre otras. Una alegoría del mundo real que le proporcionaba apoyo físico y espiritual para afrontar la debilidad vital. Como llegó a enunciar: “Que no conozca el significado de mi arte, no significa que no lo tenga”. Un toque de surrealismo listo para usar.
ARTÍCULO REVISTA SOUL JULIO 2020
Tesoros rústicos
El buen diseño de verano sale del campo
Aunque pueden ser estéticamente muy diversos, los muebles rústicos representan la comodidad y el atractivo de la vida simple. Una sencillez que nace de los materiales naturales y con la que grandes diseñadores de la historia han coqueteado. Coderch, Torres Clavé y, ahora, Nani Marquina han llevado este vocabulario a un terreno más ingenioso y audaz. Es la filosofía del contrapunto, del equilibrio minuciosamente calibrado entre lo austero y lo adornado.
En 1934, el arquitecto Josep Torres Clavé diseñó un sillón de madera como parte del mobiliario que debía acoger el Pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París, junto al Guernica de Pablo Picasso y otras obras de Alexander Calder o Joan Miró. La butaca, bautizada con su nombre, está inspirada en la tradicional sillería ibicenca y refleja las virtudes más simples de la isla. De estructura de madera de roble, y asiento y respaldo tejidos con cuerda de manufactura artesanal, forma parte de la colección permanente del Museu del Disseny de Barcelona y en 1987 la reeditó, y ahora produce, Mobles 114. Un icono genuino del diseño sobre el que sentarse a leer el tiempo suficiente para entender su fama.
Hay también un toque natural en muchas de las alfombras de Nani Marquina, aunque tal vez sea la colección Tres la que mejor refleje su pasión por la artesanía: “Representó un cambio en nuestra línea editorial. Hacía muchos años que trabajábamos de una manera manual nuestras alfombras pero a menudo los usuarios no veían reflejado este trabajo artesanal”, decidieron diseñar una alfombra que solo al verla transmitiera estos valores y con la que sus clientes entendiesen en minucioso trabajo que hay detrás. “Cada una es una pieza única”, asegura Nani. Recientemente han apostado por ampliar la familia con el nuevo modelo Tres Vegetal, de estilo rústico y agreste, gracias al uso del cáñamo, un material que conecta con la pasión de la marca por la naturaleza. “Los colores fueron tomados de aquello que nos rodea”, la belleza de los tonos se combina con una impecable y particular ejecución. La diseñadora cuenta cómo la artista Sheila Hicksme inspiró la manera de tejer, “y me dio un mensaje: con un telar todo es posible”, sería un antes y un después en su forma de entender su trabajo. “Con nuestras alfombras siempre intentamos conseguir emociones. Si una alfombra te sorprende y te hace sentir bien, hemos conseguido nuestro objetivo”.
Precisamente, perseguir la emoción que transmite la luz de una chimenea llevó a José Antonio Coderch hasta la lámpara de suspensión Disa. Un auténtico icono, producido por TUNDS, que ahora, en su quinta edición, se ha sometido a una revisión profunda para recuperar deseos que el propio arquitecto dejó por escrito. Un diseño realizado en madera de pino de Oregón natural que viste la luz a través de finas lamas, y cuya configuración ayuda a la distensión entre la naturaleza y el diseño más delicado. Disponible también en versión de sobremesa, su estética comparte el mismo aire de la arquitectura de Coderch: expresiva, cálida y, sin duda alguna, atemporal.
ARTÍCULO REVISTA SOUL JUNIO 2020
Deconstruyendo a Eileen Gray
Una de las diseñadoras modernistas más cruciales del siglo XX
Si las últimas décadas del arte y el diseño pueden definirse por algo, es por la tendencia de otorgarles honores tardíos a los creadores. No fue hasta sus últimos respiros que la diseñadora Eileen Gray pasó desapercibida para muchos. Esta aristócrata irlandesa se mudó a París en 1900 cuando apenas tenía 22 años, donde estudió arte y se convirtió en una arquitecta autodidacta. Dos décadas después abrió las puertas de Jean Désert, en la Rue du Faubourg St. Honorė, una galería donde exponía y vendía sus propios diseños: muebles y biombos lacados, iluminación y alfombras que ahora edita la firma alemana ClassiCon. Hoy, para cualquier entusiasta del diseño, es un ejemplo perfecto de savoir-faire: “Sus piezas fueron revolucionarias, inteligentes y muy por delante de su tiempo. Sin su aportación el mueble estaría a décadas de ser como lo conocemos actualmente”, así lo ven Ramón y Mariola, socios fundadores del estudio Arnau Reyna. “Durante años se ha obviado su trabajo por ser mujer, pero su dominio de la plasticidad y ligereza de formas consiguió crear auténticos iconos absolutamente atemporales”. No sería hasta que el historiador Joseph Rykwert publicara un ensayo sobre ella en la revista de diseño italiana Domus, en 1967, que sus propuestas reaparecieron gradualmente en subastas, galerías de arte y, finalmente, en una exposición de diseño y mobiliario en El Musee des Arts Decoratifs.
La vida de Eileen Gray abarca casi todo un siglo, pero esta visionaria no se habría convertido en un referente del Modernismo si se hubiera limitado al diseño de producto. “La capacidad de trasladar esa racionalidad tan característica del diseño industrial a la arquitectura y al interiorismo es la clave de la atemporalidad de su legado”, explican Ana Ramón y Iolanda Gimeno, del estudio creativo Isho Design. También se le ocurrió una nueva forma de arquitectura “de líneas puras, materiales sencillos y calidez en la luz, en contraste con el protagonismo del interior que se complementaba con un mobiliario especialmente meditado, de formas orgánicas y colores vibrantes”, para estas creativas la artista irlandesa abrió un nuevo camino en la manera de entender el diseño. “Su visión multidisciplinar se percibe claramente en sus obras, aportando a cada proyecto coherencia espacial y visual”, dicen. “Concebir la profesión desde la globalidad es una corriente que seguimos muchos diseñadores”. Con 48 años, Gray construyó su primera casa con su compañero Jean Badovici: la villa de la playa E-1027 en Roquebrune-Cap-Martin, en la Costa Azul. Una obra maestra de la arquitectura de vanguardia que, tras su restauración en 2015, ha abierto al público. Allí, diseñó varios de sus muebles más trascendentes como el sillón Bibendum y la legendaria Mesa Ajustable, con el mismo nombre de la casa (probablemente la más copiada del mundo). Estas piezas las recoge y desgrana, hasta el próximo 12 de julio, la exposición online del Bard Graduate Center de Nueva York, desvelando al mundo su increíble ingenio. “La más talentosa de nuestra generación”, diría de ella René Herbst. En 2009, Christie’s subastó por encima de los 21 millones de euros su butaca Dragon, como parte de la colección privada del diseñador de moda Yves Saint Laurent y Pierre Bergés, el precio más alto jamás pagado en una subasta por un mueble del siglo XX. Junto a Mies van der Rohe, Le Courbisier y Marcel Breuer, el tiempo le ha dado a Eileen Gray un merecido lugar en la mesa de la historia.
ARTÍCULO REVISTA SOUL MAYO 2020
Lecciones de diseño
Tres nuevos libros que buscando la belleza llegan al alma
¿Por qué la búsqueda de la emoción estética es decisiva a la hora de diseñar? ¿Cómo se consigue la belleza? Estas son sólo algunas de las preguntas que grandes diseñadores y arquitectos se proponen resolver a diario. El filósofo Michel Foucault decía que el hombre llama bello a lo que funciona, haciéndolo propio y convirtiéndolo en bello porque lo utiliza; así es como prevalece. Por ese mismo camino, funcional y estético, el diseñador industrial Miguel Milá ha trazado una guía de diseño para la vida que anima al lector a replantearse la cotidianidad. Lo esencial —así se llama y se siente este libro— es un escrito oral, conducido por la periodista Anatxu Zabalbeascoa, gestado desde la tranquilidad de la casa del diseñador catalán, junto a su familia, su mujer, Cuqui, y sus diseños. El premio Nacional de Diseño de 1987 y Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2016 disecciona objetos celebrados por miles, algunos, como La Cesta de Santa&Cole, todo un fenómeno social. “Una lámpara está mucho más tiempo apagada que encendida. Y cuando está apagada, lo mínimo que puede hacer es no molestar. Y lo máximo alegrar la vida. Acompañar sería el punto intermedio”, la naturalidad y modestia de Miguel tiene como resultado una lectura agradable, fácil y entusiasta, alejada de lo especializado y sin disfraz, precisamente porque la pretensión le genera rechazo “mucho más que la torpeza. La torpeza me enternece”, asegura. Unas memorias fundamentales por la belleza e inteligencia que rige su trabajo. “La estética, que nunca es adorno, aparece cuando todo está en su sitio”.
Y con la misma sencillez rigurosa, la última monografía sobre John Pawson, Anatomy of Minimum, publicada por Phaidon y escrita por la escritora especializada en diseño Alison Morris, descubre, como nunca otra antes, los temas centrales que levantan la obra de este maestro británico del minimalismo. Sus logros se deben, en gran medida, a su capacidad para provocar emociones y estados de ánimo a través de los detalles arquitectónicos, la luz y la proporción. Un libro en el que el lector debe ser paciente, hasta que la profundidad de las imágenes, e incluso la propia casa de Pawson en la Inglaterra rural, le absorban por completo.
Pero como cualquier buen libro, los de diseño no han de ser sólo visualmente atractivos, sino más bien estar llenos de significado. En The Touch, Nathan Williams de Kinfolk y Jonas Bjerre-Poulsen de Norm Architects presentan cinco bloques que exploran, a partir de los cinco sentidos esenciales, la poética de 25 espacios. ¿Cómo los elementos de diseño táctil pueden mejorar nuestra calidad de vida? Esta nueva colaboración, que publica Gestalten, ofrece respuestas e inspiración a través de conmovedoras fotografías, ensayos filosóficos y consejos prácticos de las mentes más privilegiadas de la industria del diseño.
ARTÍCULO REVISTA SOUL ABRIL 2020
Diseño al plato
El valor de lo cotidiano
Poner la mesa se acerca a crear escenarios en miniatura. Uno tiene en la cabeza una función ideal y se servirá de mantelería, copas y platos para contar como mejor pueda historias cotidianas de intimidad, simplicidad o celebración. Sí, las vajillas son como la vida. Su vitalidad depende del diseño, la funcionalidad de la técnica. La idea de la firma danesa MENU es convertir la esencia escandinava en algo común, la de la ceramista Gloria Carrillo “crear piezas únicas y libres” con torno, sin usar moldes. Es el inevitable cruce entre instituciones del diseño y los pequeños talleres independientes.
Lo que estos creadores parecen compartir es un diseño esencial y redondeado, capaz de capturar un estilo de vida simple. “Del barro puedo extraer ideas o conclusiones sencillas y aplicarlas en mi vida. Aspectos como la paciencia, la admiración o la magia los redescubro trabajando cada día gracias al material”, explica Gloria, fundadora de Pols Ceramic. Los toques poéticos convierten los platos y utensilios que ella misma moldea en piezas únicas: “Me dejo guiar por el barro con el que estoy trabajando. A partir de él la forma parece salir sola”. Asegura que su manera de producir es espontánea, “también es muy sensorial y puedo dejarme influir por mi estado de ánimo, por formas más abiertas o cerradas, más perfectas o más orgánicas”.
Sus obras embelleces algunos restaurantes triestrellados como Lasarte y Abac en Barcelona. Los chefs saben que la magia de estas vajillas reside en la imperfección, y ésta se traduce en exclusividad. “Tengo un muestrario en el taller con los distintos tipos de barro, colores de esmaltes, formas y tamaños”, describe, “pero las posibilidades para combinar todos estos aspectos son infinitas”. Sus últimos platos evocan paisajes rojizos de una gran emoción, mientras que su equilibrada propuesta de colores parece estar conectada con la espiritualidad de la vida. La artesana utiliza la cuenta de Instagram @polsceramic para enseñarle al mundo la importancia de rodearse de objetos que revelen un significado profundo. La red social a veces le abruma, “pero es una herramienta muy útil en la que intento expresar con imágenes y pocas palabras el sentido de mi trabajo”, admite, y aclara que para ella su oficio es mucho más que un trabajo, “es una manera de poder vivir y sentir en la sociedad”.
Con el mismo propósito simple y significativo, la marca de productos de decoración y accesorios MENU ha convertido un encargo de vajillas para el restaurante Höst de Copenhague en un auténtico éxito de ventas. La hazaña es el resultado de una dilatada relación con el estudio danés Norm Architects, que ha servido para engordar su magnífica reputación como editores de productos bien hechos. “Cada pieza de porcelana se cuece dos veces a 1.400 grados para obtener la máxima resistencia”, explican desde la compañía. Aplicando un esmalte especial consiguen después una textura similar a la acuarela. Su estética escandinava, atemporal, incluso la durabilidad de los materiales, se unen al dramatismo de los colores oscuros que cuando se llenan de salsas o pasta hacen de cada comida una fiesta. También la innegable practicidad y discreción de los vasos apilables diseñados por Norm garantizan unos buenos compañeros de mesa. Esta colaboración se suma a las que llevan a cabo con artesanos para preservar oficios tradicionales y crear objetos longevos que puedan ser usados toda una vida.
ARTÍCULO REVISTA SOUL MARZO 2020
Un bosque de luz
La firma valenciana LZF Lamps y la checa Brokis están apostando por auténticos paisajes creativos, diferentes a todo lo que se haya visto hasta ahora.
Hay lámparas que nacen evocando a la naturaleza, plantas de luz que animan a la contemplación. Aunque el mundo de la iluminación solía ser discreto, cada vez son más las compañías que nos recuerdan que en el diseño, como en el arte, todo vale. “Son mucho más que simples productos para alumbrar”, dice Jan Rabell, CEO de Brokis. “Para nosotros es sumamente importante que lleven una emoción dentro”. Y desarrollando las colecciones con la misma delicadeza de las flores, la firma checa ha creado un universo etéreo en torno al vidrio en el que su nueva propuesta IVY podría ser el alma.
Un modelo diseñado por Lucie Koldova e inspirado en la forma en que la hiedra crece y trepa por las paredes. “Es un sistema especial de componentes modulares que puede utilizarse para ofrecer una propuesta de iluminación decorativa tanto en composiciones verticales como horizontales”, explican desde la compañía. IVY se presenta en tres tamaños de vidrio ahumado u opalino, y a través de sus ocurrentes ramas puede adoptar muchas formas y colgarse tanto por separado como en conjunto para crear una cortina de luz. Un espectáculo de luces que para Jan tiene un doble sentido: “En este mundo tan rápido y lleno de estrés necesitamos algo que nos llene de placer, pasión, emoción y que alegre los espacios que habitamos”. En el décimo aniversario de su ya icónica colección Muffins también presentan una edición especial que combina el vidrio de varios colores con maderas exóticas y con mármol. El objetivo aseguran que es el de conmover utilizando materiales convencionales con acabados poco comunes y reforzar con ingenio su forma y configuración.
En LZF Lamps también saben lo que es trabajar desde la emoción. Sus fundadores Sandro Tothill y Mariví Calvo abrazan el arte al mismo tiempo que producen lámparas ingeniosas y descaradas a partir de chapa de madera muy fina. Los diseños de Ray Power para la firma son un buen ejemplo de la libertad que defiende la compañía, así como de la predilección del diseñador irlandés por crear para ellos formas tridimensionales a partir de materiales planos. Los pliegues de la lámpara de mesa Air trabajan para crear una luz muy singular a través de la madera. Aunque su forma puede parecer difícil de leer, “es tan solo un rectángulo que se pliega”, explica con entusiasmo Mariví. La colección, disponible también como aplique, esconde la misma sencillez y complejidad de un buen poema. Swirl, en cambio, es una lámpara de suspensión valiente y aunque su forma de flor cuidadosamente esculpida es todo un espectáculo no hay que esperar de ella un lenguaje intenso, sino una luz difusa y discreta que baila desde su interior con una calidez inteligente y tierna. Lámparas que en la oscuridad encienden la imaginación.
ARTÍCULO REVISTA SOUL FEBRERO 2020
El don de la simplicidad
El estudio de Francesc Rifé celebra 25 años de objetos discretos y cuidadosamente diseñados
Ya sea en el diseño de interiores o en el de producto, el propósito de Francesc Rifé es siempre el mismo: simplificar. Con estudio en Barcelona y Valencia, el diseñador catalán ha sido capaz de madurar su obra en un escenario en el que lo inusual son los objetos discretos. “El diseño que debería facilitarnos la vida ha tomado un camino lleno de excesos”, lamenta. Y es así, lejos de la extravagancia y las modas, como Rifé toma distancia de lo banal defendiendo los materiales naturales y la creación de espacios y mobiliario con sentido: “Ya hay demasiada frivolidad en el mundo”, dice. “Evitar lo innecesario mejoraría nuestra calidad de vida”.
Si bien sus diseños son elogiados por su simplicidad, casi nada en su trabajo es realmente simple. Detrás de cada propuesta se esconde una investigación compleja y las manos de un numeroso equipo interdisciplinar. “Para nosotros es tan importante diseñar una silla como un hotel”, asegura que en cualquiera de los casos son muchos los detalles, “es solo una cuestión de escala”. En las bases de su filosofía de trabajo, el orden y la lógica son primordiales. “Seguimos unas líneas de coherencia estética y visual muy directas, tanto en concepto como en ejecución, sin elementos superficiales que puedan hacer menos fuerte al producto”, las palabras de Rifé encierran referencias al “menos es más” de Mies Van der Rohe y a lo que Le Corbusier llamó purismo; también a la naturalidad de Charlotte Perriand y a la austeridad Jean Prouvé, “hay una clara influencia de todos ellos en lo que hago”.
A los ojos de Paola Noguera, al frente del diseño industrial del estudio, “el orden y la lógica de la que habla Francesc, más que limitar, ayudan a seguir un mismo lenguaje”. El resultado es limpio, ligero y absolutamente racional. Formas que resisten al circo de los mercados y productos que aun bañados en sencillez son fáciles de identificar. “Lo más complicado del proceso es justamente encontrar ese elemento que, aun respetando el carácter conciso de nuestro mobiliario, lo dote de sensibilidad y expresión”, explica. La comodidad de sus líneas tampoco debería subestimarse, “son diseños silenciosos pero muy funcionales”. Celebran las virtudes de sus objetos clientes como JMM, Carmenes, Marset, Point, Milan Iluminación o las italianas Jesse y Zanette; mientras que sus obras se reparten por todo el mundo. “Nos divierte mucho la diversidad de los proyectos”, Paola suena como el contrapunto expresivo a una seriedad que Rifé suaviza con el humor. Juntos parecen dispuestos a redefinir más de un campo dentro del diseño de producto: “Estamos profundizando en el terreno de la absorción acústica. Nos gustaría evolucionar su aplicación en el espacio”. Francesc sabe que una constante en su trabajo es el cambio, se aferra a la idea de lo artesanal, “pero tenemos que poder agregarle tecnología a los objetos de una forma sensata. Que sean analógicos y digitales a la vez”. Y ahí está una vez más: la complejidad de la simplicidad.
ARTÍCULO REVISTA SOUL ENERO 2020
Charlotte Perriand
Una pionera en “el arte de habitar”
Visionaria, comprometida, y una leyenda del diseño por derecho propio, Charlotte Perriand continúa siendo una fuente inagotable de inspiración. Ahora que se cumplen veinte años de su fallecimiento, la Fundación Louis Vuitton ha hecho un movimiento inteligente celebrando “L’art d’habiter” de esta mujer visionaria e independiente. La exposición ‘Inventando un mundo nuevo’ recoge más de cuatrocientas obras para reconstruir un legado marcado por la lógica y su amor por la naturaleza.
Nacida en París en 1903, Perriand estudió en la École L’Union Centrale des Arts Décoratifs. En los años veinte empezó a andar hacia la cima diseñando piezas de un gran valor intelectual junto con Le Corbusier y Pierre Jeanneret. Ella, más que ninguno, dominaba el lado humano de las propuestas que el tiempo ha elevado a icónicas. En el número 35 de la rue de Sèvres nacieron las excepcionales chaise-longue reclinable LC4 —que produce Cassina— y la silla giratoria de acero tubular —de la misma colección— cuyo diseño original se puede visitar hoy en el MOMA de Nueva York.
El trío creativo entendía las claves de la relación entre materia, estructura y forma, y las puso al servicio del descanso. Pero tras una década con Le Corbusier, la diseñadora quiso alejarse del lado más frío del racionalismo hacia la naturaleza. Se comprometió con la defensa de causas políticas, sociales y artísticas; vivió en Japón, y exploró sin medida el uso de materiales tradicionales como el bambú, la madera de pino o la paja tejida. En 1946 regresó a París y, aunque continuaría volviendo al país nipón en busca de inspiración, pasó gran parte de su vida trabajando en los Alpes. Allí, su pasión por la montaña la llevaría a proyectar desde el complejo y estación de esquí Les Arcs, a diseñar los taburetes Méribel y Berger como variantes estilizadas del tradicional asiento para ordeñar de los pastores. Estas sencillas (pero magistrales) propuestas funcionan combinadas o en solitario, y ambas pueden usarse como mesita.
Porque sus colecciones hablan también de polivalencia. La mesa de centro Refolo es además sofá, poyata y banco. Un símbolo del diseño atemporal que se adelantó a su tiempo. Útil, lógica, simple y llena de belleza. “Estamos dejando la edad del roble y entrando en un período que se definirá por la ligereza, la flexibilidad y lo efímero”, confesó. Charlotte Perriand rompió con los códigos de su tiempo y propuso algo mucho más que simplemente diseño: lo llamaba el nuevo arte de habitar, pero fue además el nuevo arte de vivir. Y con la sensibilidad de una artista, creó las estanterías asimétricas de colores primarios pintadas por Sonia Delaunay, que bien recuerdan a las obras de Piet Mondrian. Mobiliario artístico del más alto nivel que continúa haciendo de cualquier espacio un espectáculo inspirador.
ARTÍCULO REVISTA SOUL DICIEMBRE 2019
Objetos de deseo
Hay belleza en los pequeños diseños
Pertenecen a la clase de productos que no necesitas pero que quieres de todos modos, los accesorios de diseño (como los de moda) son una oportunidad para contar historias. Pequeños objetos que añaden información a cualquier hogar, e incluso “pueden influir en nuestro bienestar”, dice la diseñadora irlandesa Eimear Ryan. Tal vez por eso, sus piezas rayan lo exquisito. “Mediante el uso de la forma y la textura quiero crear diseños que realmente las personas puedan disfrutar durante mucho tiempo, no solo visualmente, sino también como un estilo de vida”. Eimear diseña desde París, y es el talento creativo del estudio Argot. La habilidad de su socio, Jean-Eloi Rateau, con la tecnología les ha llevado a producir jarrones y pequeños objetos a través de la impresión 3D. “Me encanta el hecho de poder dibujar algo a mano y que el mismo día se realice físicamente”, para ello utilizan una biomasa 100% biodegradable derivada del maíz. Ambientalmente responsable y tecnológicamente innovadora, a esta ecuación se suman las manos artesanas de su padre, Phelim Ryan, un carpintero apasionado por los estilos más clásicos que contribuye a darle forma al resto de sus propuestas de mobiliario, desarrolladas en roble macizo, “para mí es el mejor material para el hogar, fuerte, cálido y con una increíble textura natural”, asegura. Admiradora de la obra de Eileen Gray y llena de ideas inteligentes, esta diseñadora de tan solo 29 años explica cómo sus diseños están íntimamente ligados a la arquitectura y está particularmente interesada en “llevar formas desde el exterior al interior”, dice, “para que se puedan disfrutar de una manera diferente a la habitual”.
Con el tiempo, la legendaria marca danesa de mobiliario Fritz Hansen también ha ido soltándose el cinturón y poniéndose cómoda en el diseño de accesorios, hasta el punto de explorar la teatralidad de piezas como las Geo #1 y #2, de Jaime Hayón. Estas pequeñas esculturas son, de hecho, obras de arte, una interpretación encantadora y tangible de los extravagantes dibujos por los que Hayón es conocido. La primera, más alta y redonda, esconde en la parte superior un pequeño jarrón apto para un solo tallo de flores. La segunda, que dibuja un cilindro, cuenta con una tapa que se puede levantar y usar para guardar diminutas pertenencias, e incluso joyas. Además de su cómica expresión, son diseños elaborados en su totalidad en fresno termotratado y su proceso de producción artesanal es de al menos 16 semanas.
En este mar variado e inusual de objetos, el diseñador valenciano Vicent Martínez, ha creado la colección Tombouctou para la editora Mad Lab. En gran medida, un diseño metafórico sobre la idea de ciudad como credo: “Una casualidad hizo que me encontrara con una fuente de inspiración y estimulo en el IVAM”, habla de la exposición ‘Perdidos en la ciudad’ que trataba de las urbes como uno de los símbolos más característicos de la sociedad moderna. “A ellas acuden cada año millones de personas buscando una vida mejor en lo económico, en lo social y en lo cultural”, y este sería el hilo conductor para su proyecto, “cuando salí del museo pensé que había que explorar y conocer la obra de tres artistas qué me habían impactado”. Concretamente la del alemán Hannsjörg Voth le llevó a un viaje imaginario hasta Tombouctou donde asegura que se encuentra parte de la mejor arquitectura de barro de la región de África subsahariana. “Es donde se dice que la arquitectura alcanza las estrellas”, relata, “con sus construcciones originales y de remota tradición, se transmite misterio, simbología y un magnetismo místico desde la humildad de sus materiales”. La colección está realizada en madera de sipo, nogal y fresno. “Sus colores y sus matices nos evocan los tonos de los edificios, a la vez que nos convocan a un viaje para descubrir su mundo y cultura”. En línea con el discurso emocional de la compañía madrileña, “el diseño va más allá de sus aspectos funcionales, también nos habla de sensaciones, estados de ánimo o pensamientos; como el arte, expresa una visión personal que nos sirve para interpretar lo real o lo imaginario”. Después de haber sido emprendedor, fabricante y editor de muebles, de estar implicado en instituciones, ser profesor y dinamizador en la divulgación y promoción del diseño, Vicent dice encontrarse en “el tercer acto” de su vida y ahora busca ser solo diseñador: “Volver a mi origen, pensando en diseñar para un mundo donde la calidad de vida de todas las personas sea mejor, desde esta València mediterránea, proclamada Capital Mundial del Diseño 2022”.
ARTÍCULO REVISTA SOUL NOVIEMBRE 2019
Trío de ases
Tras los pasos del prometedor estudio valenciano La Mamba
Con pocas excepciones los diseñadores de mobiliario independientes desafían al mercado con la voluntad de generar sorpresa, pero el estudio multidisciplinar La Mamba sabe que el verdadero éxito, el perenne, ha de tomar forma gradual y lentamente. Detrás de él, Raúl Durá, Ommar Uribe y Pedro Rivera se están ganando una reputación intachable. Un enfoque sin excesivas pretensiones se suma a un vocabulario de diseño amable, que se extiende más allá de sus colecciones. Refinan más que innovan. En 2009 empezaron tomando como referencia el diseño nórdico pero con los años han dejado de etiquetarse: “Ahora nos cuesta más describir nuestro estilo”, dicen, “constantemente vamos absorbiendo nuevos referentes y evolucionando. Creemos que las fronteras estéticas cada vez son más difusas y nos sentimos cómodos sin tener un discurso determinado”. Quizá, el hecho de que provengan de diferentes continentes hace que tengan una perspectiva más global. Como relata Ommar, “algo de México se sigue viendo en mi trabajo pero creo que el haberme mezclado, entendiéndolo como abrir la mente, ha hecho que me enriquezca”.
El equipo se centró primero en el diseño de producto sin querer ir más allá de un solo medio. “Después de la experiencia y el aprendizaje, fuimos madurando y descubriendo nuevas formas de ayudar a las empresas”, llegaría el interiorismo y la dirección de arte. “Hoy tratamos de representar a través de objetos y espacios nuestra personal forma de entender el diseño ofreciendo a los clientes equilibrio y sutileza”, explican. En su trabajo las viejas nociones de sensibilidad y funcionalidad parecen cumplirse. Su dinámica de grupo es más bien una carrera de relevos constante: “Pese a que inicialmente se puede pensar que nuestras propuestas son la suma de tres diseñadores, rara vez ocurre”, aclaran, “por lo general uno de nosotros desarrolla un concepto, lo trabaja y lo presenta al equipo. Es en ese momento cuando los otros dos aportan mejoras para dejarlo lo más cerrado posible”. Parece haber entre ellos un entendimiento perfecto y deliberado.
Parte del buen ánimo que les caracteriza puede atribuirse al hecho de que sus muebles están encontrando el favor del público, y de que se hayan convertido en imprescindibles para marcas de mobiliario tan ascendentes como Carmenes. “Empezamos a trabajar con ellos hace cuatro años en el diseño de producto, después en el de sus stands, para posteriormente llevarles la dirección de arte. Ha sido una evolución muy natural de la que nos sentimos muy orgullosos”, dicen. Sus sofás para la firma, Royal y Majestic, son todo lo que debería ser un sofá: cómodos, fuertes y versátiles. Y mientras han seguido dedicados a los caprichos de los clientes, no han dejado de abrir miras para presentar un proyecto mucho más intenso y personal: la creación de la compañía Omelette Editions con el objetivo de comercializar muchos de los diseños de La Mamba. “En un principio solo se producían pequeños objetos como un frutero, un reloj de pared, una colección de espejos, etc.”. Aquella idea fue creciendo y evolucionando hasta que en 2016 decidieron ampliar la oferta, pasando de complementos a mobiliario e iluminación, e invitando a participar en el proyecto a reconocidos diseñadores. Su instinto fue bueno. La editora se ha convertido rápidamente en un soplo de aire fresco para el mercado y fue un atractivo foco de atención durante la última edición de la feria Hábitat, que tuvo lugar el pasado mes de septiembre en Valencia. Allí presentaban el rediseño del sofá Must así como los espejos Mirror y una nueva colección de lámparas de vidrio soplado llamada Bold, cuyo diseño, de aspecto sencillo, tienen una imagen suave y geométrica que rara vez se sabe capturar en la producción. Con éstas, y las piezas que están por venir, se disponen a abrazar más que nunca la sostenibilidad. “Cada día salen al mercado miles de nuevos productos y nuestra labor como diseñadores es ser conscientes de ello y tener en cuenta aspectos tan básicos como el uso de componentes reciclables, la vida útil del producto o la procedencia de la materia prima. El diseño sostenible debería formar parte de la vida de todos los estudios”.
ARTÍCULO REVISTA SOUL OCTUBRE 2019
NATURALEZA INTERIOR
LLEVAR LA VEGETACIÓN AL HOGAR A TRAVÉS DEL MOBILIARIO PUEDE AYUDAR A LA CONSTRUCCIÓN DE ESPACIOS MÁS LIMPIOS Y SALUDABLES.
La vegetación le lleva al ser humano millones de años de ventaja en términos de diseño. La idea de imaginar mobiliario bajo los principios de la biomémesis –ciencia que estudia la naturaleza como fuente de inspiración– o introducir plantas en él, son algunas de las respuestas a la necesidad de llevar el aire libre a los interiores, transformarlos, e incluso, mejorar la salud.
¿Por qué es tan importante incorporar plantas en el hogar? Las plantas nos hacen pensar en espacios abiertos y naturales, lugares para respirar y relajarse, incorporarlas en casa funciona para dar una mayor sensación de amplitud, hacerlos más expresivos y estimulantes. Fernando Alfaro, responsable del estudio valenciano de paisajismo y jardinería Baobao, sabe que no solo elevan el interior en términos estéticos, sino también de salud, “pero como todo, en su justa medida”, aclara. “Hay infinidad de opciones de plantas para el interior, pero la mayoría de gente acaba colocando las de siempre: Kentia, Photos…”, en su lugar sugiere alternativas como “la Zamioculca, Areca, Ficus tricuspidata, Ficus australis o la Chamaedorea”.
Hay muchas formas ingeniosas de conectar los interiores con la naturaleza como si de proyectos de paisajismo se tratara. La lámpara Palma de Vibia crea una atmósfera poética y gana al crecer como un jardín colgante luminoso. Diseño de Antoni Arola, esta composición de globos, levemente aplanados, acerca la naturaleza a la luz evolucionándola de forma ejemplar hacia lo orgánico, con un sistema de cableado además imperceptible. Otra aguda respuesta al futuro de la vivienda es la colección Nature de Mobalco, debut de Francesc Rifé en el diseño de cocinas. La propuesta introduce el concepto de “huerto de plantas aromáticas” a través de bandejas metálicas integradas en la base y en las estanterías. “Queríamos ofrecer una alternativa a la cocina tradicional y humanizar el medio proporcionando una mejor comprensión de los procesos naturales”, explica el diseñador, “la colección nace, sobre todo, del sentido comón”. Las cualidades de materiales nobles tales como la madera de nogal, la piedra natural y las superficies metálicas se presentan en un mismo escenario donde cocinar y cultivar alimentos es el punto de partida para una mayor conexión entre naturaleza y vida doméstica.
Precisamente, el énfasis de los muebles del estudio británico Another Country está en su relación con las plantas. Su colección Ori, diseñada en colaboración con la agencia Ekkist, encarna el concepto de “hogar natural”. La diseЦadora de la marca Catherine Aitken está detrás de este trabajo cuyos “principios básicos son la luz, el aire, el agua, la biosfera, la atmósfera, la adaptabilidad y la longevidad. También tomamos en consideración los consejos del The WELL Building Standard, que estipula cЧmo debemos diseñar espacios para beneficiar nuestra salud, y proporciona pautas y límites sobre el uso de ciertos productos químicos y materiales que nos afectan”, y concreta, “para Ori elegimos la madera de fresno por su belleza y sus propiedades absorbentes de la contaminaciЧn”.Todos los diseЦos de la gama se adaptan a más de una función: la superficie de la mesa es una bandeja o el diván tiene múltiples posibilidades. “Creo que la versatilidad es completamente relevante para la forma en la que vivimos hoy. Proporciona una sensación de libertad y la oportunidad de cambio. Podría decirse que también ayuda a garantizar que los muebles funcionen a largo plazo, lo que desde una perspectiva de sostenibilidad es importante”.
ARTÍCULO REVISTA SOUL SEPTIEMBRE 2019
LIGEREZA, EL DÚO DE ARTISTAS MULLER VAN SEVEREN DEJA CLARO QUE LOS MUEBLES PUEDEN SER TAN FIRMES COMO LIVIANOS
Cuando la fotógrafa Fien Muller y el artista Hannes Van Severen crearon su primera colección de muebles en 2011 estaban dispuestos a redefinir la palabra funcional. Que sus piezas tengan la capacidad de ser excepcionalmente ligeras y extraordinariamente fuertes ha ayudado a rebasar algunos límites. Desde una chaise longue hecha con malla metálica a un sistema que combina lámpara y dos módulos de asiento, sus diseños sugieren una nueva forma de vivir y usar el espacio.
WIRE S #
Pero el énfasis no se concentra solo en la función, los materiales son siempre el punto de partida para su trabajo. La silla Alu se fabrica a mano para revelar las cualidades del aluminio, mientras que el uso de la rejilla metálica de la colección Wire S # quiere hablar además de transparencia. Ambas se visten con una laca protectora contra los rayos UVA y repelente al agua, abriendo la frontera entre el mobiliario de interior y exterior.
DUO SEAT + LAMP
La propuesta Duo seat + Lamp es muchas cosas más. Con una estética ligera, refinada y limpia, su estructura de acero, lacada en rojo o en color crema, convive con dos cuerpos de cuero natural en los que poder sentarse en una posición relajada para fomentar la conversación. La comunicación además de marcar su obra, es el gran pilar de su relación. “Tenemos ideas muy similares sobre cómo deben verse las cosas, en ese sentido es fácil trabajar juntos, la discusión es más sobre las partes técnicas”, explican. Lo importante nunca es el objeto individual, sino lo que sucede cuando este se introduce en otro. De ahí, que la suma a esta configuración de una lámpara giratoria integrada agregue ingenio y versatilidad al diseño, ya singular de por sí.
WIRE C #
El entusiasmo de Fien por el color y la valiosa irracionalidad de Hannes hacen de las colecciones propuestas a veces extrañas, otras sutiles, pero de alguna manera siempre compatibles entre sí. Tal es la impresión que transmite su obra que es difícil no pensar en Donald Judd cuando se observa. La estética minimalista, los materiales modestos y el lugar que ocupa en el espacio la sitúa también en algún punto entre el diseño y el arte. Y es aquí donde ellos se sienten realmente cómodos: “El proceso de creación es muy similar pero, por supuesto, debido a la funcionalidad de un objeto de mobiliario hay que pensar diferente”. Lo importante ya no es solo cómo se ve su arte sino cómo se usa.
ARTÍCULO REVISTA SOUL AGOSTO 2019
LA DISEÑADORA BELGA LAURENCE LEENAERT CAPTURA DESDE MARRAKECH LA ESENCIA DEL CONTINENTE AFRICANO, LLEVANDO LAS TÉCNICAS TRADICIONALES Y LOS MATERIALES LOCALES A LA ESCENA GLOBAL.
El primer abrazo de la joven diseñadora belga Laurence Leenaert a la cultura africana fue en 2015 cuando, después de estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de Gante, decidió mudarse a Marruecos y empezar a trabajar con artesanos locales. Siguiendo métodos tradicionales, produce desde cerámica a textiles, calzado y accesorios de decoración hechos y pintados a mano. Objetos coloridos, vitales, honestos y nada pretenciosos. “No me tomo el trabajo demasiado en serio, quiero crear piezas felices y alegres. Es un diario de mi vida, algo muy espontáneo, muy real”, explica.
Sus ideas son un contrapunto a la vida acelerada. Así como para Delacroix, Picasso y Matisse, el continente africano ha cambiado su forma de ver el mundo. Ahora domina la luz, el color, la calma. Desarrolla su obra con materiales nativos y naturales —terracota, algodón, lana, etc.— mientras avanza, sin prisas, hacia el diseño de mobiliario. Desde su estudio y cuna de la firma LRNCE, en el barrio industrial de Sidi Ghanem en Marrakech, se complace de estar rodeada de una de las fuentes de inspiración más ricas del mundo: “Me siento inspirada por la forma de vivir de aquí, la cultura, la gente. Despertar todos los días con el sol y las palmeras cambia tu vida —si vienes de Bélgica—”, sabe que el buen diseño requiere de la vieja virtud de la paciencia, “los artesanos con los que trabajamos son muy talentosos y es muy enriquecedor estar rodeada de personas que tienen tanto amor por lo que están haciendo”. Sus palabras revelan un deseo constante de vida lenta.
A ese ritmo, sin atajos, presenta su última colección Boys from the South como un puente metafórico entre las tradiciones africanas y la vida salvaje. Basada en la celebración del Dodo de Burkina Faso, en la que niños provistos con máscaras cantan y bailan bajo la luna llena, las nuevas propuestas de LRNCE son un homenaje profundo y personal a una cultura encontrada, más que un lugar, un estado mental. Con este enfoque entusiasta Leenaert ha conseguido difuminar los límites entre el diseño funcional y el emocional.
Se llame arte o artesanía, ya son muchos, miles, los seguidores que celebran la vitalidad visual de sus objetos en su cuenta @lrnce de Instagram, un reino en el que asume que hablar de un estilo de vida consciente y simple es también una forma de responsabilidad.
ARTÍCULO REVISTA SOUL JULIO 2019
EL VÍNCULO ENTRE ESTE MATERIAL ANCESTRAL Y EL DISEÑO CONTEMPORÁNEO NUNCA ESTUVO TAN CLARO
Donde algunos siempre han visto excentricidad, otros ven la combinación perfecta de diseño industrial y artesanía. En busca de formas inventivas de usar el vidrio, la compañía WonderGlass ha llevado al estudio japonés Nendo, dirigido por Oki Sato, a trabajar junto con sus maestros artesanos en la prodigiosa colección Melt de mobiliario, accesorios y lámparas de araña tan únicas como complejas.
El resultado son formas inspiradas en los movimientos del equipo alrededor del material fundido. Un ballet meticuloso y estrictamente planeado. “La idea principal fue aceptar el flujo de la gravedad y utilizar el peso del vidrio para diseñarlo”, explica Oki Sato. Es en este punto donde da comienzo la coreografía de las piezas, cuya intención no es otra que dejar que el material dirija el proceso, desplegando el vidrio caliente sobre elementos de acero para que él mismo revele su forma. Una vez más, muebles que evitan el alboroto y abrazan la artesanía. “En cierto modo, hacer menos y lograr más es lo más complicado de hacer”, apunta el fundador y alma de Nendo sobre estos diseños creados bajo la ley de la gravitación universal. Esculturas casi invisibles a las que la última edición de Fuorisalone les ha dedicado la instalación onírica Shape of Gravity en el Istituto dei Ciechi de Milán.
A base de audacias decorativas los hermanos Ronan y Erwan Bouroullec, reconocidos por crear objetos visionarios
y sorprendentemente imaginativos, también han sabido jugar bien con la naturaleza de este material en la colección Diapositive para Glas Italia. Un sistema de ensamblaje de paneles de vidrio cuyos bordes, protegidos con madera, lo alejan de la sensación de fragilidad. La propuesta incluye dos tamaños de escritorios, bancos y un estante, todo presentado bajo una elocuente selección de colores —gris oscuro y claro, rosa, naranja y transparente— en opción monocromo o mixta. Un diseño abrumadoramente moderno que se alía con el, hasta ahora, capítulo más conocido de la colaboración entre los Bouroullec y la compañía italiana:
Rayures es una pantalla modular, fabricada en vidrio estratificado y templado, compuesta de paneles unidos con bisagras. La libertad compositiva de este biombo, con acabado traslúcido, permite realizar estructuras que escudan, separan y al mismo tiempo crean islas de intimidad, filtrando y devolviendo la luz de manera poética y sensible. La propuesta está también disponible con la incorporación de un espejo que se puede sumar a la extremidad de la composición. Con la particularidad de una textura mínima de líneas horizontales o verticales —según el formato del panel— y un enfoque funcional, es solo un ejemplo más de las extraordinarias posibilidades del diseño dentro del ámbito del vidrio. Un material que aunque solo sea por su gran durabilidad tiene ahora más sentido que nunca.
ARTÍCULO REVISTA SOUL JUNIO 2019
TRES MARCAS PIONERAS RECUPERAN DISEÑOS DE MEDIADOS DEL SIGLO XX PARA DEVOLVERLE LA RAZÓN A LA FERIA SALONE DEL MOBILE DE MILÁN, EL ESPECTÁCULO MÁS GRANDE DE MOBILIARIO DEL MUNDO.
Para Mobles 114 el rediseño es, y será, un deber indispensable de la profesión. Dispuestos a fomentar una historia de amor con los clásicos, estos editores de mobiliario siguen rescatando productos que están en los museos o que han sido olvidados para reeditarlos y que puedan convivir con las propuestas más jóvenes de su catálogo.
Este año, una nueva mesa de Josep Maria Jujol, estrecho colaborador de Gaudí, está preparando alas para viajar a la próxima edición del Salone del Mobile de Milán, del 9 al 14 de abril. “La descubrimos en una exposición que hizo el artista Perejaume en el Museu Nacional d’Art de Catalunya en 2014” explica Gabriel Moragas, codirector general de la marca. “Creemos que la mesa original es un prototipo que nunca llegó a producirse. Ahora, afortunadamente y gracias al Arxiu Jujol y a su familia, la gente que la compre podrá disfrutar de una pieza diseñada entre 1920 y 1927 que mantiene una contemporaneidad extraordinaria”. Una mesa sustancial y hábilmente detallada. Moragas asegura que buscan productos que por su estilo o forma sean atemporales, “de la misma forma que buscamos esta línea editorial cuando encargamos un producto a un diseñador; la única diferencia es el año”. Sus colecciones están llenas de ejemplos: “La butaca diseñada por Torres Clavé en 1934 o la estantería Tria tienen una vigencia absoluta dentro del mobiliario de hoy en día”.
En este sentido, Thonet se ha convertido en modélico, un líder. Los clásicos son productos vivos para la compañía alemana que celebra el 200 aniversario con una versión especial de la silla 214. Un diseño basado originalmente en la cultura de las cafeterías de mediados del siglo XIX, cuya revolucionaria técnica de doblado de madera maciza permitió, por primera vez, la producción casi industrial de una silla. Ahora, con una revisión de Eva Marguerre y Marcel Besau, solo disponible en 2019, esta pieza icónica irradia un aire fresco con colores como el rojo terciopelo, verde salvia, blanco y negro, combinados cada uno de ellos en dos tonos. El ingenioso giro busca que las miradas se centren en la composición, mientras traslada el lenguaje tradicional de su silueta a un contexto contemporáneo.
La necesidad imperiosa de novedad parece virar hacia una apariencia más racional, lenta, hecha a mano. Así lo lleva proclamando durante más de un siglo Carl Hansen & Søn, que añade ahora a la colección de clásicos la silla Contour, del diseñador Børge Mogensen. Ni excéntrico, ni complicado, sí encontró en sus obras, a menudo austeras, la manera de reunir palabras como “artesanía”, “modernidad”, “confort” y “simplicidad”.
A pesar de ser más conocido por un modo de expresión robusto, el danés también fue un maestro de las formas expresivas y esculturales. La nueva incorporación se aleja estéticamente de muchos de sus diseños pero también se caracteriza por presentar una serie de detalles típicos, como son el ensamblaje de caja y las juntas en espiga que se complementan con cuñas de madera en contraste. “Estos detalles reflejan su enfoque de tecnología probada para el diseño, con la artesanía siempre en el corazón”, afirma Knud Erik Hansen, director ejecutivo de la compañía. “Contour Chair se fabrica de acuerdo con los dibujos originales de Mogensen y nosotros, en colaboración con su familia, hemos decidido tapizar el asiento para conferirle mayor comodidad”.
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